Las Rutas del jazz

  El jazz y su vestimenta: identidad, resistencia y proyección artística Desde sus primeras décadas, el jazz no solo se escuchaba: se veía. La indumentaria de los músicos y las comunidades que lo vivían estaba profundamente ligada a la identidad cultural, la resistencia social y la proyección artística. La ropa se convirtió en un lenguaje visual que transmitía mensajes de dignidad, pertenencia y modernidad, en un contexto marcado por la segregación racial y la transformación cultural de Estados Unidos. En la Nueva Orleans de finales del siglo XIX y comienzos del XX, especialmente en el entorno del Creole Jazz y las brass bands , muchos músicos afrodescendientes adoptaban trajes formales, corbatas y zapatos lustrados. Esta elección iba más allá de la estética: proyectaba respeto y profesionalismo, desafiando los estereotipos raciales y reclamando un lugar legítimo en la vida cultural de la ciudad. Vestirse con elegancia era un acto de resistencia simbólica. Las bandas que ani...

    La armonía en el jazz ha sido un campo dinámico, donde convergen la tradición musical europea, la expresividad africana y la innovación creativa de sus intérpretes. A diferencia de la música clásica occidental, donde la evolución armónica ha sido uno de los motores principales, en el jazz la transformación se ha dado también —y quizás primordialmente— a través del ritmo, la textura y el timbre, aunque sin dejar de incorporar elementos e innovaciones armónicas de la música académica, desde sus primeras décadas. El jazz tradicional, con raíces en Nueva Orleans a finales del siglo XIX y principios del XX, se fundamenta armónicamente en la tonalidad europea clásica, especialmente en las funciones de tónica, subdominante y dominante. No obstante, este sistema se enriquece mediante la incorporación de elementos propios del blues, como las blue notes (terceras, quintas y séptimas menores o disminuidas), que aportan una tensión expresiva y un colorido único. En esta etapa...

   En los inicios de la industria fonográfica, hacia fines del siglo XIX, el registro simultáneo de banjo y voz constituyó una práctica poco frecuente en el ámbito profesional, a pesar de su extendida presencia en entornos domésticos y de entretenimiento popular. La conjunción de estos elementos —banjo y canto— portaba una fuerte carga cultural afroamericana, heredera de las tradiciones minstrelsy, y de la canción narrativa, y ofrecía una plataforma expresiva de notable riqueza rítmica y tímbrica. Su escasa representación en los catálogos comerciales de la época temprana no responde a una falta de interés popular, sino más bien a los límites técnicos de las grabaciones acústicas y a los sesgos raciales de la industria naciente (Kenney, 1999; Brooks, 2004). Uno de los casos más singulares en este sentido es el de Charles Asbury , considerado el segundo artista negro en ser grabado comercialmente (Baker, 2025). Activo a comienzos de la década de 1890, Asbury fue pionero en f...

En los albores del siglo XX, en un Estados Unidos marcado por la segregación racial y la lucha por la visibilidad cultural afroamericana, James Reese Europe emergió como una figura clave en la transformación de la música popular. Nacido en Mobile, Alabama, en 1880 y radicado en Nueva York, Europe no solo fue un innovador musical, sino también un estratega cultural y un organizador colectivo, cuyas acciones reconfiguraron el lugar del músico negro en la industria del entretenimiento. Su figura encarna el poder de la orquesta negra no solo como herramienta sonora, sino como espacio de afirmación, resistencia y modernización. Uno de los aportes más significativos de Europe fue la fundación del Clef Club en 1910, una organización sindical, agencia de contratación y orquesta que reunía a músicos afroamericanos en un momento en que las estructuras formales del negocio musical estaban vetadas para ellos. A través del Clef Club, Europe logró consolidar una red institucional propia, capaz d...

  La música de baile afroamericana ha sido mucho más que una forma de entretenimiento: fue y sigue siendo una poderosa herramienta de resistencia, afirmación identitaria y transformación social. Desde los primeros músicos esclavizados que utilizaban el violín como medio para obtener libertad, hasta las orquestas que definieron el ragtime y prefiguraron el jazz, esta música ha servido para redefinir el cuerpo, el espacio social y las relaciones raciales. Su evolución es el reflejo vivo de las tensiones, conquistas y expresiones de una comunidad históricamente marginada. En el siglo XIX, muchos afroamericanos esclavizados encontraron en la música una forma de subsistencia y, en algunos casos, de emancipación. Violinistas negros recorrían el sur de Estados Unidos ofreciendo su arte en fiestas y reuniones sociales. Aunque la mayoría eran músicos anónimos, algunos alcanzaron notoriedad: como el personaje del violinista en Roots de Alex Haley, símbolo de la música como forma de agen...

    “Snake Rag”, grabado en 1923 por la Creole Jazz Band de King Oliver, representa una de las manifestaciones más representativas del jazz temprano de Nueva Orleans. Esta obra condensa las características centrales del estilo colectivo de improvisación, la textura polifónica del ensemble y la interacción rítmica entre sus integrantes, con especial énfasis en los célebres cortes a dos cornetas entre Joe “King” Oliver y un joven Louis Armstrong. Este artículo propone un análisis formal y estilístico de la pieza, atendiendo a su estructura, elementos tímbricos, recursos rítmicos y procedimientos de arreglo, en el marco de la tradición afroamericana de principios del siglo XX. La grabación de “Snake Rag” por la Creole Jazz Band representa un momento crucial en la evolución del jazz como forma registrada y transmisible. Realizada en 1923 para el sello Gennett, esta sesión reunió a destacados músicos provenientes de Nueva Orleans en un contexto de migración hacia Chicago. E...